为他的孩子们创作的一部非常基础的用复调手法写成的钢琴曲。在刚刚这部作品的时候，有的小朋友会觉得很茫然，觉得这些曲子的名字为什么这么奇怪？小步舞曲，吉格舞曲，进行曲，这到底是什么？
其实，在生活的年代，也就是巴洛克时期，是不流行给音乐起一个非常形象的标题的，而是以音乐的体裁来命名的，所以在初级钢琴曲中，会有N多小步舞曲，这个是不是也困扰着刚刚学习的小朋友你呢？
这首作品，是建立在G大调上写成的。A段可以分成两个乐句，第一乐句从1-8小节，第一乐句结束在属和弦，左手的低音声部非常流畅。第二乐句从9-16小节，结束在I级主和弦上，构成一个完全终止。
B段的亮点在于中间出现了升do，在这里采用了一个近关系转掉，将曲子从G大调，转到了它的属调D大调上去，随后又回到了G大调，最后结束在了G大调的主和弦上。
很多小朋友都抱怨，的乐谱上，明明写着跳音，为什么我不能像弹曲那样跳起来？而是要断奏？这是为什么呢？由于在爸爸生活的时代，现代的钢琴还没有发明，所以，爸爸所创作的作品，都是在古钢琴上演奏的，为了模仿古钢琴上跳音的效果，我们用断奏来代替跳音。
布格缪勒是19世纪作曲家。他的主要贡献是为儿童创作了3本钢琴曲：0p.100，Op．105和Op.109；其中Op.100的25首是最常用最受初学钢琴者欢迎的。
布格缪勒的创作风格在作曲手法上继承了古典传统，在情调上却带有浪漫色彩，因而既严谨又优美，抒情。作为曲，他不仅考虑了技术训练的课题要求，还强调了音乐表现。他给每首曲子加了标题，来学生对音乐的理解和想象力。因此，学习布格缪勒曲应把技术训练和学习音乐表现放在同等重要的地位。
这首曲子首先是在C大调的基础上写成的。从左手的和弦，我们可以清楚的看到它的和声，从第一个和弦C大调的主和弦I，中元节出生的人到第二小节IV级的第二转位和弦，第5小节到属和弦之后转到第6小节的主和弦I，然后通过一个重属和弦最后解决到了属和弦。因此，这个结尾是一个半终止的结尾。
B段可以分为两个部分，从13小节的升,和降mi这些变化音，我们可以感受到和声小调的色彩，让音乐由大调的明亮转向了稍幽暗的小调。之后，同样18小节的降mi也通过同样的方式，让色彩变暗，最后转向了大调结束全曲。这种做法是19世纪的古典音乐中比较常见的，通过变化音来增强音乐的色彩感。
音乐色彩感是和和声紧密结合的，其实就像绘画当中的颜色那样，比如大三和弦就会给人带来一种明亮，阳光的感觉，而小三和弦就给人比较忧伤，不安的感觉。在布格缪勒这首作品中，通过频繁转换和弦的方式，变化音乐的色彩感，令曲子听起来非常丰富，而不是很乏味。
詹姆斯·胡克是一位英国作曲家，这首曲子是他所创作的《12首小奏鸣曲集》中的第三首的第一乐章，这首作品的创作时期是从巴洛克时期到古典时期，采用了经典的宫廷舞蹈节奏。
第1小节开始于F大调主和弦I ，从第四小节开始转到了属和弦 V，再从属和弦回到了主和弦I，构成了一个完全终止 I-V-I。
从9小节起，开始于F大调主和弦的第一转位，之后走到降B大调，第10小节开始转到了G大调，11小节到C大调，然后再一次回到F大调。
分句是音乐的乐句感，使音乐像说话一样自然连贯，防止听起来机械。动作要领，手腕转动有助于音色的均匀，连贯并且有方向感。时，通过手腕，能让音乐充满活力，而不至于呆板，死气沉沉。
海顿是古典时期最重要的作曲家之一，他的大半生都在为皇室服务，所创作的大半数音乐都是为贵族所作。但他出生平凡，成长背景也比较朴实，他的音乐风格优雅既精致可爱，不浮夸，又有着他独特的幽默感。这部作品是一部双主题变奏曲。
首先，变奏曲是一种音乐体裁，多用于钢琴，主要的形式是将一个短小的主题进行不断的变奏，有点像变色龙，每次变奏都会在主题的基础上，在拍子，速度，和声等，加上一点点小变化，听起来差不多但却又都不一样。变奏曲可以只有一个主题也可以有两个主题，此首乐曲就是带有两个主题的变奏曲
海顿非常擅长写弦乐四重奏，他非常了解弦乐的演奏方式和配置。所以在演奏他的钢琴作品时，也要尽量去模拟和想象弦乐四重奏的声音。因此，海顿的作品，可以将弦乐的声音和演奏方式运用在钢琴乐曲中。演奏海顿的钢琴奏鸣曲，大家多听听古典时期的弦乐四重奏，有了感觉以后，就可以在弹钢琴的时候，想象弦乐的效果。
弹奏左手的顿音的地方，就不要过于连贯，也不要太跳跃，而是，类似弦乐的连顿弓那样，似断非断，有一定的弹跳感和重力感。
肖邦所创作的12首钢琴曲，每一首都有一个与音乐气质相符合名字，比如“离别”，“蝴蝶”，“风弦琴”，“东风”等等。他每部作品的诗意是建立在高难度的演奏技巧上达到的，也就是说，如果演奏技术不到位，是很难达到这套曲震撼的效果的。
在肖邦的这首“风弦琴”曲，左右手的音密密麻麻，看着大家眼花缭乱，那如何才能找到某一些更加重要的，需要突出的音呢？其实，并不是所有的音都需要用很强的力度去演奏，像这一首曲子，小编觉得有点像“夹心饼干”，演奏时，需要突出最高的声部和底下最低的声部，就像两片饼干那样，中间填充的那些音，可以演奏出“一片”，也就是不需要很强的力度，弹得时候也可以把它想象成“棉花”，或者“填充物”。
浪漫主义时期的音乐，通常都是有一个美美的标题，大家要有跟着这个标题想象的能力，这样才能准确的把握音乐所表现的含义。比如这首“风弦琴”，大家完全可以发挥想象，想到那些被精心画在穹顶上的那些可爱的小，手里抱着竖琴的画面，美妙的天籁之音就这样随着指尖流露出来。